La Gioconda - Anónimo

Hasta fechas recientes esta pintura era considerada como una más de las muchas versiones existentes del célebre cuadro homónimo de Leonardo da Vinci conservado en el Museo del Louvre. Procede de la colección real, donde probablemente se registra ya en 1666 en la Galería del Mediodía del Alcázar como una "mujer de mano de Leonardo Abince".

El estudio técnico y la restauración realizados entre 2011 y 2012 han revelado, sin embargo, que se trata de la copia de La Gioconda más temprana conocida hasta el momento y uno de los testimonios más significativos de los procedimientos del taller de Leonardo.

La existencia del paisaje bajo el fondo oscuro se detectó a través de una reflectografía infrarroja y una radiografía. Análisis posteriores permitieron detectar que el repinte era posterior a 1750 y que debajo se conservaba el paisaje original en buen estado, aunque inacabado en algunas zonas, lo que pudo ser la causa de su enmascaramiento.

Los materiales utilizados son de gran calidad y su factura es muy cuidada, a pesar de la inferior calidad respecto al original. Pero su mayor interés reside en que, desde el dibujo preparatorio y hasta casi los últimos estadios se repite el proceso creativo del original.

La prueba más evidente de que las dos obras fueron realizadas al mismo tiempo es que cada una de las correcciones del dibujo subyacente original se repite en la versión del Prado, lo que demuestra que su autor tuvo en cuenta elementos que Leonardo dibujó en las capas subyacentes pero no incluyó en la superficie.

Todo apunta a un miembro del taller de Leonardo, próximo a Salai o a Francesco Melzi, los alumnos más cercanos al maestro y que tenían acceso directo a sus dibujos de paisaje.

Fuente: Museo del Prado

Más información: El País

Niña sentada en un paisaje - Rafael Tegeo Díaz

Pintada en 1842 por el español Rafael Tegeo Díaz, el cuadro "Niña sentanda en un paisaje" se encuentra expuesto en el Museo del Prado de Madrid (España).

En él se ve una niña sentada en un banco de piedra junto a un paisaje que se pierde en la lejanía, mientras sostiene en su regazo varias rosas sobre un pañuelo.

En el suelo reposa su sombrero, mientras su mirada descansa ensimismada fuera del lienzo. Destaca la pálida tez de la niña y sus grandes ojos negros.

Fuente: Museo del Prado

María Josefa de Lorena, archiduquesa de Austria - Anton Rafael Mengs

El retrato de la archiduquesa de Austria, María Josefa de Lorena, ha sido pintado por Anton Rafael Mengs hacia 1767 y actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Prado de Madrid (España).

María Josefa fue hija del emperador Francisco I y de su esposa María Teresa. Inicialmente estuvo prometida a Fernando IV de Nápoles, pero falleció muy joven a los 16 años, por lo que fue sustituida por su hermana María Carolina en la futura unión dinástica.

Fuente: Museo del Prado

El Parnaso - Nicolas Poussin

Considerado uno de los pintores más destacados de la escuela clasicista, Nicolas Poussin pintó "El Parnaso" entre 1630 y 1631, y actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Prado de Madrid (España),

La pintura representa el Parnaso, un monte mitológico consagrado a Apolo y las Musas. En él, Apolo ofrece el néctar de los dioses a un poeta, probablemente Homero, coronado de laurel por Calíope, la musa de la poesía épica.

En primer plano, dos amorcillos ofrecen a los poetas el agua inspiradora que mana de la Fuente Castalia, personificada por la mujer desnuda.

Fuente: Museo del Prado

La Piedad - Fernando Gallego

Pintado entre 1465 y 1470 por el español Fernando Gallego, "La Piedad" representa el dolor de la Virgen por su hijo muerto, abrazando el cuerpo inerte de Cristo apenas cubierto por el paño de pureza, y con la cruz, símbolo de su martírio, tras ellos.

El artista concentra el dramatismo de la escena en la intensidad del abrazo de la Virgen a su hijo y en la expresión de su rostro, destacando la soledad de María.

A su izquierda, los anónimos donantes entonan el "miserere mei Domine" ("ten compasión de mí, Señor"), inicio del salmo 50, solicitando el perdón de Cristo para merecer los frutos de la Redención.

Al fondo, entre el paisaje rocoso, se levanta una ciudad amurallada que evoca a Jerusalén, como si fuera una ciudad medieval.

Fuente: Museo del Prado

David vencedor de Goliat - Caravaggio

Pintado hacia 1602, "David vencedor de Goliat" es un cuadro de Caravaggio conservado en el Museo de Prado desde su inauguración en 1819.

Se ha pensado que el cuadro fue adquirido por un noble con cercana relación a Caravaggio, hacia 1617, pero no es documentado en las colecciones reales hasta 1781, en la época de Carlos III. 

Fue llevado ao recién nacido Museo del Prado por la reina consorte María Isabel de Braganza, esposa de Fernando VII e impulsora de la pinacoteca.

Esta obra hace patentes numerosos aspectos formales característicos de la pintura de Caravaggio en el inicio del siglo XVII. La composición es de tipo cúbico, el fondo es negro, la luz tenebrista. Muestra un panorama oscuro, y al joven David victorioso, que sostiene la cabeza de Goliat. 

Fuentes: Museo del Prado y Wikipedia

El embarque de Santa Paula - Claudio de Lorena

Pintado por el francés Claudio de Lorena, "El embarque de Santa Paula" fue pintado entre 1639 y 1640 por encargo del rey de España Felipe IV para decorar el Palacio del Buen Retiro, formando parte de una serie pictórica en la que también participaron otros grandes pintores de la época.

De la colección real pasó al Museo del Prado de Madrid, donde se expone actualmente.

Se trata de una escena religiosa, que cuenta el momento en que Santa Paula (s.IV) se despite de sus hijos y se embarca en el puerto romano de OStia, marchando a Palestina, donde vivirá como ermitaña con San Jerónimo. 

Fuente: Wikipedia

Noli me tangere - Antonio Allegri da Correggio

Pintado hacia 1518, "Noli me tangere" es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

 

"Noli me tangere" es una frase en latín que significa "No me toques". Es una frase que se atribuye a Jesucristo, que se la habría dicho a María Magdalena después de resucitar y al volverse ella hacia él y llamarle maestro, según el Evangelio de Juan, 20, 17.

Este episodio de la Resurrección de Jesús fue tema recurrente en la iconografia tardomedieval y el Renacimiento, inspirando a varios pintores.

Fuente: Wikipedia

La familia de Carlos IV - Francisco de Goya

Pintado en 1800 por Francisco de Goya, pintor de cámara de la corte del rey, el retrato "La familia de Carlos IV" perteneció a las colecciones privadas del Palacio Real de Madrid y pasó a formar parte del Museo del Prado en 1824, por orden del rey Fernando VII quien también aparece en el cuadro.

El pintor realizó los bocetos con los retratos del natural de cada uno de los miembros de la familia real por separado, un deseo de la reina que quería evitar que todos juntos debieran posar durante largas y tediosas sesiones.

En él aparecen ordenadamente todos los miembros de la familia real con intención de realzar la figura de la reina María Luisa, que ocupa el centro de la escena. A la izquierda se sitúan el futuro rey Fernando VII junto a una joven elegantemente vestida pero sin rostro, recurso empleado por Goya para representar a la futura esposa del principe cuando esta aún no habia sido elegida.

Fuente: Wikipedia

La Virgen, el Niño y San Juan - Antonio Allegri da Correggio

Pintado hacia 1516 por el italiano Correggio, "La Virgen, el Niño y San Juan" se trata de un cadro con un tema clásico, en el cual las tres figuras forman una composición piramidal con una clara influencia de las obras de Leonardo da Vinci o Rafael Sanzio, como puede verse en el paisaje azulado, en la sutil sonrisa de la Virgen y por el uso de la técnica del esfumado.

Actualmente, el cuadro se encuentra expuesto en el Museo del Prado (Madrid).

Martirio de Santa Catalina - Fernando Gallego

Pintada hacia 1470 por Fernando Gallego, el cuadro representa el martirio de Santa Catalina y actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Prado (Madrid). 

El autor insiste en el detallismo de la pintura, pintando con precisión el paisaje nórdico que se ve al fondo, las ricas vestiduras de los personajes de la izquierda y a los verdugos increíblemente feos (como corresponde a los malvados), mientras que la santa aparece idealizada: piel suave, blanca como el mármol, arrodillada con las manos elegantemente juntas para rezar y una expresión de dulzura en su rostro.

Santa Catalina fue martirizada con unas ruedas que tenían incrustadas puntas de cuchillos y otros objetos cortantes. Pero antes de que sufriera daño, los ángeles del señor abrieron el cielo y bajaron a rescatarla, rompiendo las ruedas del martirio y derribando a sus verdugos. Estupefactos, los jueces de la santa contemplan el castigo divino.

El triunfo de Baco - Diego Velázquez

"El triunfo de Baco" fue pintado por Velázquez, durante su estancia en Madrid, por encargo de Felipe IV en 1629, por el cual recibió 100 ducados. Desde 1819 se conserva en el Museo del Prado.

El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco coronando con hojas de hiedra a uno de los siete borrachos que lo rodean. En la literatura barroca, Baco era considerado una alegoría de la liberación del hombre frente a su esclavitud de la vida diaria. Puede que Velázquez realice una parodia de dicha alegoría.

La Adoración de los Magos – Diego Velázquez

Pintado cuando Velázquez tenía apenas 20 años, La Adoración de los Magos data de 1619 y se conserva en el Museo del Prado desde su inauguración en 1819. Basado en la tradición cristiana, el cuadro nos muestra a los tres reyes, dos blancos y un negro, ofreciendo regalos al Niño Jesús. El fondo es oscuro y la luz se centra en el niño. Algunos afirman que los representados en el cuadro son miembros de su familia, así que la Virgen sería su esposa Juana Pacheco, el niño Jesús sería en realidad una niña, la propia hija del artista, y el Rey Mago que aparece con barba sería su maestro, Francisco Pacheco. Gaspar sería el propio Velázquez.

Cristo Crucificado – Francisco de Goya

Pintado por Francisco de Goya en 1780 como motivo de su ingreso como académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el cuadro forma parte de la colección permanente del Museo del Prado en Madrid. En él, Cristo está representado en el momento de su crucifixión con cuatro clavos (uno en cada extremidad) pero sin la presencia de los factores devocionales como el dramatismo o la presencia de sangre, resaltando la belleza del cuerpo desnudo. La cabeza inclinada a la izquierda y levantada con la boca abierta parece indicar el momento en el que Jesús pronuncia las palabras “Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?”.

Retrato del pintor Francisco de Goya - Vicente López

Considerado el cuadro más conocido del pintor español Vicente López, el "Retrato del pintor Francisco de Goya" ha sido pintado en 1826 y actualmente se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

López, en aquel entonces, era el retratista de la corte de Fernando VII y Goya se encontraba exiliado en Francia. Aprovechando una visita de Goya a Madrid, López aprovechó para realizar la pintura.

Cuenta la leyenda que, llegado un momento determinado de la ejecución, Goya sujetó el brazo a López y le impidió seguir retocándolo, dejando la pintura tal y como a Goya le pareció.

La Santa Cena - Juan de Juanes

Pintado alrededor de 1560 al óleo sobre una tabla de 116cm x 191cm por Juan de Juanes, representa el acto de la última cena de la tradición cristiana.

Fue una obra encargada para el retablo mayor de la Iglesia de San Esteban, aunque en la actualidad se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

El Cardenal - Rafael Sanzio

Pintado en óleo sobre tabla hacia el año 1510, El Cardenal es una de las obras más conocidas de Rafael y actualmente se conserva en el Museo del Prado (Madrid). El cuadro fue adquirido por Carlos IV de España cuando aún era príncipe, durante una estancia en Roma.

El personaje anónimo se muestra de medio cuerpo con sus ropas de cardenal representadas minuciosamente y con gran realismo, en particular la seda de la muceta con brillos tornasolados. El color predominante es el rojo del vestido que destaca sobre fondo oscuro, casi negro, y la manga blanca de la blusa. 

El caballero de la mano en el pecho - El Greco

El caballero de la mano en el pecho es uno de los más famosos retratos creados por Domenikos Theotokopoulos «El Greco». Es un óleo sobre lienzo pintado en fecha desconocida, entre 1577 y 1584, expuesto en el Museo del Prado (Madrid).

Un caballero desconocido vestido con traje negro de cuello y puños de encaje con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él, es postura de juramento. Este hombre está vestido de forma fina y elegante y porta una espada dorada, además de un medallón con una cadena.

Agnus Dei - Francisco de Zurbarán

Pintada por Zurbarán entre 1635 y 1640, un famoso pintor de la época barroca española, el cuadro muestra la imagen del "Cordero de Dios" (Agnus Dei) de forma extraordinariamente naturalista.

El cordero lleva las cuatro patas atadas y sacadas hacia el espectador, dando así una mayor sensación de volumen, y se encuentra sobre un fondo neutro. Destaque para la minuciosidad con la que ha pintado el artista los bucles de lana.

Las Tres Gracias - Pedro Pablo Rubens

"Las Tres Gracias" es un cuadro pintado por Rubens en óleo sobre tabla hacia el año 1635. Mide 221 cm x 181 cm y actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Prado en Madrid. Antes de eso, permaneció en poder del propio pintor hasta su muerte en 1640, siendo después adquirida para Felipe IV y llevada a España.

Las Gracias, descritas en la "Teogonía" de Hesiodo eran tres: (Aglaya (resplandeciente), Eufrósine (gozosa) y Talía (floreciente). Eran vírgenes puras nacidas de uno de los amores de Zeus y que vivían con los dioses, asistían a los banquetes y despertaban la alegría de vivir. Nunca conocían el aburrimiento y estaban al servicio de Afrodita (la diosa del amor).

Están representadas junto a una fuente, bajo una guirnalda de flores y ante un fonde de paisaje. La figura de la izquierda está directamente inspirada en la segunda esposa del artista, Helène Fourment.