Cena de Emaús - Caravaggio

El cuadro "Cena de Emaús" ha sido pintado por el italiano Caravaggio entre 1596 y 1602. Actualmente se conserva en la National Gallery (Londres).

El cuadro representa a los discípulos de Jesucristo en un episodio descrito en el Evangelio de Lucas, 24:30-32. En él vemos Cleofás a la izquierda y Santiago a la derecha en el momento de reconocer al Cristo resucitado, que se había presentado como el viandante al que habían invitado a la cena. El cuadro representa el momento en el que bendice el pan, acto que forma parte del sacramento de la Eucaristia.

Fuente: Wikipedia

La Gioconda - Anónimo

Hasta fechas recientes esta pintura era considerada como una más de las muchas versiones existentes del célebre cuadro homónimo de Leonardo da Vinci conservado en el Museo del Louvre. Procede de la colección real, donde probablemente se registra ya en 1666 en la Galería del Mediodía del Alcázar como una "mujer de mano de Leonardo Abince".

El estudio técnico y la restauración realizados entre 2011 y 2012 han revelado, sin embargo, que se trata de la copia de La Gioconda más temprana conocida hasta el momento y uno de los testimonios más significativos de los procedimientos del taller de Leonardo.

La existencia del paisaje bajo el fondo oscuro se detectó a través de una reflectografía infrarroja y una radiografía. Análisis posteriores permitieron detectar que el repinte era posterior a 1750 y que debajo se conservaba el paisaje original en buen estado, aunque inacabado en algunas zonas, lo que pudo ser la causa de su enmascaramiento.

Los materiales utilizados son de gran calidad y su factura es muy cuidada, a pesar de la inferior calidad respecto al original. Pero su mayor interés reside en que, desde el dibujo preparatorio y hasta casi los últimos estadios se repite el proceso creativo del original.

La prueba más evidente de que las dos obras fueron realizadas al mismo tiempo es que cada una de las correcciones del dibujo subyacente original se repite en la versión del Prado, lo que demuestra que su autor tuvo en cuenta elementos que Leonardo dibujó en las capas subyacentes pero no incluyó en la superficie.

Todo apunta a un miembro del taller de Leonardo, próximo a Salai o a Francesco Melzi, los alumnos más cercanos al maestro y que tenían acceso directo a sus dibujos de paisaje.

Fuente: Museo del Prado

Más información: El País

La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana - Leonardo da Vinci

"Santa Ana con la Virgen y el Niño Jesús" o "La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana" fue pintada por Leonado da Vinci. No se sabe con exactitud quien encargó esta obra ni cuando. Actualmente se la data hacia 1508-1510. En ella el pintor representa a Santa Ana, su hija la Virgen María y el Niño Jesús. Cristo es representado abrazando a un cordero, lo que simboliza su Pasión, mientras que la Virgen intenta detenerlo.

Foto: Wikipedia

Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la Basílica de la Annunziata en Florencia. No obstante, en la página web del Louvre se defiende la tesis de que fue un encargo del rey Luis XII de Francia para agradecer a Santa Ana el nacimieto de su hija única, Claude, en 1499, pero que Leonardo tardó mucho tiempo en realizarla.

Quizás por estar pintada en la época en la que Da Vinci se dedicaba a La Gioconda, existe un gran parecido entre el rostro de Mona Lisa y la santa.

Hace poco tiempo ha sido sometido a una restauración, que ha suscitado polémica debido a la viveza de los colores desvelados. Si bien el proceso fue supervisado por expertos extranjeros, los resultados han provocado discrepancias y dimisiones.

Se conserva en el Museo del Louvre (París).

Foto: Wikipedia

Sigmund Freud llevó a cabo un examen psicoanalítico de la obra de Leonardo en su ensayo Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci.3 De acuerdo con Freud, la ropa de la Virgen revela, vista de reojo, la existencia de un buitre. Freud consideró que esto era una manifestación de una fantasía infantil de un «homosexual pasivo» sobre la cual Leonardo escribió en el Codex Atlanticus, en la que relata que fue atacado, siendo un niño en la cuna, por la cola de un buitre.

Fuentes:


Wikipedia

El País: El testamento del perfeccionista Leonardo



Otras obras de Leonardo da Vinci:


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La Última Cena

Virgen del Clavel

La Gioconda

Noli me tangere - Antonio Allegri da Correggio

Pintado hacia 1518, "Noli me tangere" es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

 

"Noli me tangere" es una frase en latín que significa "No me toques". Es una frase que se atribuye a Jesucristo, que se la habría dicho a María Magdalena después de resucitar y al volverse ella hacia él y llamarle maestro, según el Evangelio de Juan, 20, 17.

Este episodio de la Resurrección de Jesús fue tema recurrente en la iconografia tardomedieval y el Renacimiento, inspirando a varios pintores.

Fuente: Wikipedia

San Martín y el mendigo - El Greco

Actualmente expuesto en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (EEUU), el cuadro "San Martín y el mendigo" es una obra de El Greco realizada entre 1597 y 1600 durante su último período en la ciudad de Toledo (España).

Esta obra fue hecha como parte del programa decorativo de la Capilla de San José (en Toledo), y ha sido realizada de forma a agradar el donante, Martín Ramírez, por lo que el pintor muestra a San Martín Caballero con su exquisita armadura socorriendo a un mendigo, que se encuentra a la izquierda de la composición.

Fuente: Wikipedia

Eneas saliendo de Troya – Federico Barocci

El cuadro, pintado por Federico Barocci en 1598 representa el momento en que Eneas, el héroe troyano, lleva en los brazos a su padre Anquises después del ataque a Troya por un “caballo de madera” construido por los aqueos. Eneas abandona Troya con su esposa Creúsa (que muere durante el viaje) y su hijo Iulo (también conocido como Ascanio) y se dirige hacia Lacio (actual Italia), donde funda la ciudad de Lavinium (hoy Roma). El cuadro se encuentra expuesto en la Galleria Borghese en Roma.

Triunfo de Baco y Ariadna - Annibale Carracci

Pintado al fresco en la bóveda del Palacio Fernesio de Roma, el Triunfo de Baco y Ariadna es una obra maestra de Annibale Carracci. Se ejecutó entre 1597 y 1600 y se conservan in situ.

Esta obra representa una escena mitológica del cortejo triunfal de Baco y de su esposa mortal Ariadna. El cortejo nupcial de Baco y Ariadna ocupa el centro de la bóveda.

Fiesta del Rosario - Albrecht Dürer

Pintado en 1506 por el alemán Albrecht Dürer, la Fiesta del Rosario se conserva en el Museo Nacional de Praga (República Checa).

Fue pintado durante la estancia de Dürer en Venecia, de ahí el uso de algunas técnicas venecianas mezcladas con caracteres pictóricos germánicos. Destaca el triángulo central que engloba María (en la cumbre), el emperador Maximiliano y el Papa Julio II en la base. El niño Jesús queda ligeramente descentrado en relación con el eje del cuadro. En la esquina superior derecha, a los pies de las montañas, Dürer se representa a si mismo.

La pintura fue un encargo del banquero Jacob Fugger (con quien Dürer se alojaba en Venecia) que es, en 1506, el intermediario entre el emperador Maximiliano y el Papa Julio II con respecto a la coronación de aquél. Por ello, en la tabla aparecen el emperador y el papa en trance de hacerse coronar con rosas por la Virgen con el Niño.

La Virgen, el Niño y San Juan - Antonio Allegri da Correggio

Pintado hacia 1516 por el italiano Correggio, "La Virgen, el Niño y San Juan" se trata de un cadro con un tema clásico, en el cual las tres figuras forman una composición piramidal con una clara influencia de las obras de Leonardo da Vinci o Rafael Sanzio, como puede verse en el paisaje azulado, en la sutil sonrisa de la Virgen y por el uso de la técnica del esfumado.

Actualmente, el cuadro se encuentra expuesto en el Museo del Prado (Madrid).

San Marcos liberando al esclavo - Tintoretto

Pintado entre 1548 y 1566, "San Marcos liberando al esclavo" es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Tintoretto y actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia (Italia).

Es uno de los primeros cuadros de una serie de lienzos realizados por Tintoretto sobre el patrono de Venecia, Marcos el Evangelista, que según la tradición predicó en Alejandría (Egipto).

Esta pintura representa un episodio tomado de la "Leyenda dorada" (de Jacobo dela Vorágine) en el cual el servidor de un caballero provenzal va a ser castigado por haber venerado las reliquias del santo. Se le sometería a tortura con una máquina que le rompería los huesos y, además, iba a quedar ciego. La figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de provenza. Sin embargo, el servidor es salvado por la milagrosa intervención del santo, que está pintado en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.

Hombre comiendo judías - Annibale Carracci

Pintado por el italiano Annibale Carracci entre 1560 y 1580, el cuadro "Hombre comiendo judías" se encuentra expuesto en la Galería Colonna de Roma (Italia).

En él, se representa una escena trivial, con un jornalero o campesino comiendo un plato de judías con una cuchara de madera, y frente a él hay un pan, un pastel de verduras, un vaso de vino tinto medio vacío y una jarra de barro decorada con rayas verticales.

Para pintarlo, Carracci usó capas y trazos gruesos en una composición simple sin perspectiva ni división del espacio.

La Batalla de Alejandro en Issos – Albrecht Altdorfer

Pintado entre 1528 y 1529 por Albrecht Altdorfer, “La Batalla de Alejandro en Issos” muestra al joven Alejandro Magno en 333 a.C. en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos, posiblemente su victoria más famosa.

La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la antigüedad clásica, y pasó de la colección real de Baviera a la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania), donde actualmente se encuentra expuesto.  Tres de las ocho obras se encuetran en el Nationalmuseum en Estocolmo (Suecia), tras haber sido tomados como botín por el ejercito sueco durante la Guerra de los Treinta Años, mientras que las demás se encuentran en Múnich.

Pese a que la batalla tuvo lugar en la actual Turquía, en la pintura se pueden distinguir los Alpes y ciudades alemanas, puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.

La Tempestad – Giorgione

Considerada una de las obras más enigmáticas de la Historia del Arte, La Tempestad ha sido pintada hacia 1518 por el italiano Giorgione, y actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Venecia (Itália).

Lo que ha dado lugar a las mayores discusiones sobre ella es su significado. Existen numerosas hipótesis desde distintos episodios bíblicos o mitológicos, entre otros. Una de las teorías presentadas afirma que la ciudad de fondo seria el Paraíso terrenal, las dos figuras serían Adán y Eva con su hijo Caín, el rayo representaría a Dios expulsándolos del Edén y las columnas rotas, por lo tanto, se refieren a la mortalidad de los hombres como condena por el pecado original. Sin embargo, otros especialistas mantienen que el cuadro es simplemente una escena alegórica o que Giorgione no tuvo intención de ceñirse a ningún mito.

La escena está compuesta por una mujer desnuda sentada a la derecha amamantando a un bebé. La mujer lleva un blanco lienzo sobre los hombros, lo que podría sugerir pureza e inocencia. El hecho de que este dando el pecho podría simbolizar a la fertilidad o a la maternidad. También es aceptable la idea de que represente a la Virgen María criando a Jesús, aunque desde un punto de vista más profano.

El hombre se encuentra a la izquierda sosteniendo a un asta o pica, mirando a la derecha, aunque no directamente a la mujer. Éste podría ser un soldado, un pastor o incluso un gitano.

Venus de Urbino – Tiziano Vecellio

Pintado en 1538 por Tiziano, la Venus de Urbino, también conocida como Venus del Perrito,  se encuentra desde 1736 expuesta en la Galleria degli Uffizi en Florencia (Italia). En ella se puede apreciar una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano, mirando al espectador mientras sujeta con la mano derecha algunas flores y apoya la mano izquierda sobre el pubis. Al fondo hay una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna, además del cielo azul y de un árbol. Al lado de la ventada hay dos criadas acomodando ropas en un arcón y a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, lo que quiere representar  que la joven no es un diosa, sino una mujer real.

Autorretrato – Albrecht Dürer

Pintado por el propio autor en 1500, cuando tenía 29 años, este cuadro también conocido como “Autorretrato con traje de piel” se conserva en el Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).

Aunque el autor no tuviera ni 30 años cuando hizo el cuadro, se le ve mayor en él. Está vestido con una bata color café de terciopelo y lana, la cual está muy usada y rota como se puede ver en el brazo derecho, lleva largos cabellos y una expresión seria y serena. La mirada es muy profunda y el fondo oscuro da un  “efecto de silencio”. La minuciosidad en el tratamiento del cabello es típica del autor, algo que se puede apreciar en otros autorretratos suyos.

San Francisco de Asís en éxtasis - Caravaggio

Este cuadro ha sido encargado en 1595 por el cardenal Francesco del Monte para celebrar su ascensión al alto puesto católico. En él, se puede ver al santo tras haber recibido los estigmas de Jesus Cristo y siendo cargado por un ángel.

El cuadro no ha sido muy bien recibido por la crítica cristiana al mostrar a Francisco de Asís en dos momentos que se suponen fueron distintos (su éxtasis y sus estigmas), pero el pueblo le aclamó como buen cuadro, ya que denotaba dulzura y sentimiento de amor por parte del ángel y de Francisco.

La Santa Cena - Juan de Juanes

Pintado alrededor de 1560 al óleo sobre una tabla de 116cm x 191cm por Juan de Juanes, representa el acto de la última cena de la tradición cristiana.

Fue una obra encargada para el retablo mayor de la Iglesia de San Esteban, aunque en la actualidad se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

Susana y los Viejos - Tintoretto

"Susana y los viejos", pintado por el italiano Tintoretto en óleo sobre lienzo, mide 147cm x 194cm y fue pintado entre 1560-1565. Actualmente se encuentra en el Kunsthistorisches de Viena, Austria.

La historia de Susana es la de una joven "muy bella y temerosa de Dios" esposa del rico Joaquín, a quienes dos viejos espían en el baño. La intentan obligar a tener relaciones sexuales con ellos, diciéndole que si no accede, dirán que se ha quedado sola, sin sus doncellas, para estar con un joven, pero Susana no cede a sus amenazas, lo que hace con que los viejos la acusen de adulterio y consigan que se la condene a muerte. Interviene entonces el profeta Daniel quien, interrogando a los ancianos, acaba probando la falsedad de la imputación salvando a Susana y haciendo con que los ancianos fueron ejecutados.

El Cardenal - Rafael Sanzio

Pintado en óleo sobre tabla hacia el año 1510, El Cardenal es una de las obras más conocidas de Rafael y actualmente se conserva en el Museo del Prado (Madrid). El cuadro fue adquirido por Carlos IV de España cuando aún era príncipe, durante una estancia en Roma.

El personaje anónimo se muestra de medio cuerpo con sus ropas de cardenal representadas minuciosamente y con gran realismo, en particular la seda de la muceta con brillos tornasolados. El color predominante es el rojo del vestido que destaca sobre fondo oscuro, casi negro, y la manga blanca de la blusa. 

La expulsión de Heliodoro del templo - Rafael Sanzio

"La expulsión de Heliodoro del templo" es un fresco de Rafael y sus ayudantes Penni y Giulio Romano pintado entre 1511 y 1512 que da su nombre a la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), en las Estancias de Rafael en los Museos Vaticanos. También es conocido con el nombre de "Repulsa de Heliodoro" y queda en la parte derecha de la cámara.

Representa un milagro narrado en el Segundo libro de los Macabeos, Capítulo 3: 24-34 cuando Heliodoro el Sirio (general de Seleuco IV Filópator, Rey de Siria) decidió confiscar el tesoro del Templo de Jerúsalén para las arcas reales, y en respuesta a las oraciones del Sumo Sacerdote Onías, Dios envía a un jinete a caballo cubierto por una armadura de oro que junto con dos jóvenes resplandecientes lo golpean y azotan. Así, Heliodoro cae en tierra y tiene que retirarse.

El fresco pretende simbolizar la protección de Dios sobre la iglesia amenazada en su patrimonio, tema elegido personalmente por el Papa, quién tenía además tapices con el mismo tema.