Abaporu – Tarsila do Amaral

El cuadro Abaporu, pintado por Tarsila do Amaral en 1928, es considerado la pintura brasileña más valorada en el mundo. Fue comprado por US$ 1,5 millones en 1995 pelo coleccionista argentino Eduardo Costantini, y actualmente se encuentra expuesta en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).

El cuadro (compuesto por un hombre, un sol y un cactus) era un regalo por el cumpleaños del escritor Oswald de Andrade, su marido en la época. Él inspiró al escritor a escribir y desarrollar el Manifiesto Antropófago. 

Su nombre, que significa en lengua tupi “hombre que come gente”, es una referencia a la antropofagia modernista, que se proponía a deglutir la cultura extranjera adaptándola a la brasileña.

Retrato de Luis XIV - Hyacinthe Rigaud

Pintado en 1701 por el francés Hyacinthe Rigaud, el Retraro del rey Luis XIV es su cuadro más conocido y la imagen más representativa del Gran Siglo francés. En la actualidad se encuentra expuesto en el Museo del Louvre (París).

El retrato ha sido realizado cuando el Rey tenía entre 62 y 63 años de edad. En él se representa toda la solemnidad del Rey Sol luciendo sus ropas de coronación bordadas con la real flor de lis, que se extienden por el suelo en pesados pliegues, además de una peluca de pelo natural.

Para realzar los atributos de poder, el Rey está representado en una majestuosa postura, con el cuerpo ligeramente vuelto hacia el espectador, en una postura de firmeza, llevando a un lado la espada real y en la mano contraria el cetro. La corona está detrás, sobre un cojín.

La Batalla de Alejandro en Issos – Albrecht Altdorfer

Pintado entre 1528 y 1529 por Albrecht Altdorfer, “La Batalla de Alejandro en Issos” muestra al joven Alejandro Magno en 333 a.C. en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos, posiblemente su victoria más famosa.

La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la antigüedad clásica, y pasó de la colección real de Baviera a la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania), donde actualmente se encuentra expuesto.  Tres de las ocho obras se encuetran en el Nationalmuseum en Estocolmo (Suecia), tras haber sido tomados como botín por el ejercito sueco durante la Guerra de los Treinta Años, mientras que las demás se encuentran en Múnich.

Pese a que la batalla tuvo lugar en la actual Turquía, en la pintura se pueden distinguir los Alpes y ciudades alemanas, puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.

La Terraza de Sainte-Adresse – Claude Monet

Pintado en la terraza de una casa con vistas al mar de la ciudad balneario de Sainte-Adresse por Monet durante el verano de 1867, el cuadro actualmente se encuentra expuesto en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (EEUU).

Los personajes que aparecen en el cuadro son probablemente el padre del pintos, Adolphe Monet, sentado en una silla y, al fondo junto a la valla, Jeanne-Marie Lecadre, prima lejana del artista, junto a su padre el Dr. Adolphe Lecadre. El personaje que aparece de espaldas semioculto por una sombrilla puede ser Sophie Lecadre, hermana e hija de los personajes del fondo.

La Tempestad – Giorgione

Considerada una de las obras más enigmáticas de la Historia del Arte, La Tempestad ha sido pintada hacia 1518 por el italiano Giorgione, y actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Venecia (Itália).

Lo que ha dado lugar a las mayores discusiones sobre ella es su significado. Existen numerosas hipótesis desde distintos episodios bíblicos o mitológicos, entre otros. Una de las teorías presentadas afirma que la ciudad de fondo seria el Paraíso terrenal, las dos figuras serían Adán y Eva con su hijo Caín, el rayo representaría a Dios expulsándolos del Edén y las columnas rotas, por lo tanto, se refieren a la mortalidad de los hombres como condena por el pecado original. Sin embargo, otros especialistas mantienen que el cuadro es simplemente una escena alegórica o que Giorgione no tuvo intención de ceñirse a ningún mito.

La escena está compuesta por una mujer desnuda sentada a la derecha amamantando a un bebé. La mujer lleva un blanco lienzo sobre los hombros, lo que podría sugerir pureza e inocencia. El hecho de que este dando el pecho podría simbolizar a la fertilidad o a la maternidad. También es aceptable la idea de que represente a la Virgen María criando a Jesús, aunque desde un punto de vista más profano.

El hombre se encuentra a la izquierda sosteniendo a un asta o pica, mirando a la derecha, aunque no directamente a la mujer. Éste podría ser un soldado, un pastor o incluso un gitano.

Venus de Urbino – Tiziano Vecellio

Pintado en 1538 por Tiziano, la Venus de Urbino, también conocida como Venus del Perrito,  se encuentra desde 1736 expuesta en la Galleria degli Uffizi en Florencia (Italia). En ella se puede apreciar una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano, mirando al espectador mientras sujeta con la mano derecha algunas flores y apoya la mano izquierda sobre el pubis. Al fondo hay una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna, además del cielo azul y de un árbol. Al lado de la ventada hay dos criadas acomodando ropas en un arcón y a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, lo que quiere representar  que la joven no es un diosa, sino una mujer real.

La Adoración de los Magos – Diego Velázquez

Pintado cuando Velázquez tenía apenas 20 años, La Adoración de los Magos data de 1619 y se conserva en el Museo del Prado desde su inauguración en 1819. Basado en la tradición cristiana, el cuadro nos muestra a los tres reyes, dos blancos y un negro, ofreciendo regalos al Niño Jesús. El fondo es oscuro y la luz se centra en el niño. Algunos afirman que los representados en el cuadro son miembros de su familia, así que la Virgen sería su esposa Juana Pacheco, el niño Jesús sería en realidad una niña, la propia hija del artista, y el Rey Mago que aparece con barba sería su maestro, Francisco Pacheco. Gaspar sería el propio Velázquez.